reading

Hacía una república de las artes

Pertenecemos a la familia del “homo musicalis”. La música es un rasgo intrínsecamente humano y ha sido un factor clave en nuestra evolución como especie. Ningún otro animal hace música ni habla. La música expresa nuestra vitalidad, nuestra alegría y nuestra unión. Cuanto más felices somos, más ganas tenemos de cantar, bailar y tocar. La música es un lugar de encuentro con los demás, un espacio de armonía. Se hace música, se comparte y se mejora en grupo. Donde hay gente hay música, compañía y protección. Los recién nacidos buscan presencias sonoras para conjurar su atávico temor a quedar olvidados o a expensas de las alimañas. Somos unos frágiles y torpes primates que sobrevivimos gracias al apoyo mutuo, a la sociedad. Juntos sumamos fuerzas que nos conducen a grandes logros. Los homínidos se transformaron en seres humanos cuando comenzaron a cuidar de los más débiles y a dar sepultura a sus muertos. Y precisamente en aquel momento nacieron la música y las artes.

En la música coincidimos los vivos y los muertos, los cercanos y los extraños. Nos integra y compromete con los demás. Ninguna agrupación musical podría funcionar sin el compromiso y la solidaridad de sus miembros. La cooperación es una tendencia superior a la competición. A ella debemos los mayores éxitos de nuestra evolución como especie, desde que nuestros antepasados comenzaron a cantar alrededor de una hoguera, compartiendo melodías y conocimientos. Cuando la competición se antepone al espíritu de colaboración, empezamos a desafinar y nos amargamos la vida, conjurando guerras. La música es lo opuesto a guerra, es hermana de la paz, la solidaridad y el bienestar.

Somos humanos porque pensamos, hablamos y cantamos. Estas poderosas facultades nos impulsan a buscar la libertad y la felicidad. Nos capacitan para convertir nuestros sueños más fantásticos en realidad desde su primer atisbo. Así disponemos de aviones y computadores, de poesías y canciones. El paso de la fantasía a la acción se alcanza sumando experiencias y esfuerzos en un fermento que llamamos cultura. No es algo personal ni de ahora: es producto de siglos de trabajo colectivo. Robinson Crusoe no estaba solo en su isla. Le acompañaban su cultura y educación. La clave de la humanidad reside en el conocimiento compartido y aumentado con generosidad y cultura. Nuestros antepasados nos transmitieron saberes cantando. El saber vuela ahora sobre las chispas eléctricas.

La educación es la clave de esta gran red tejida desde el comienzo de los tiempos. Sus horizontes se han ido ensanchando por la acción crítica. No podría ser de otra manera. Conscientes de su papel crucial, depositamos en ella nuestras mejores aspiraciones y críticas. El rumbo está claro pero no resulta fácil seguirlo. Hay que superar inercias, desvíos y resistencias. Los amos del mundo se oponen a cualquier cambio que comprometa sus privilegios. Inventan estrategias para estrangular la economía educativa (la más rentable del mundo, pero no para ellos), para imponer coacciones externas, para convertir la educación en un instrumento represivo y para desprestigiar a la profesión docente. La educación musical, la educación artística y creativa en general, se ha visto especialmente agredida tras la liquidación de la Guerra Fría. Pondrán piedras en el camino y retrasarán los procesos, pero la sensatez y el bien general continuarán su imparable conquista gracias al infatigable impulso de las gentes.

El compositor esloveno Vinko Globokar reflexiona sobre la pedagogía musical indicando que “su papel no es únicamente el de enseñar a tocar o cantar correctamente para que el joven músico pueda afrontar el repertorio, sino el de desarrollar la creatividad y el sentido de la responsabilidad colectiva. Alcanzar la plenitud individual solo tiene sentido si se pone al servicio de la actividad creadora colectiva. La improvisación es un campo de experiencias muy amplio, capaz de llenar por sí mismo muchas lagunas de una enseñanza institucionalizada que se ha vuelto arcaica.”

Queremos una escuela más participativa, más solidaria, más flexible y más creativa. La escuela organizada en asignaturas que reparten datos enciclopédicos está superada. Las comunicaciones digitales han roto las fronteras de la información, a la par que impulsan cambios sociales insospechados. Nada será igual. La era del conocimiento ha dado paso a la conquista de competencias. La construcción de la propia personalidad, la educación emocional, la creatividad y la iniciativa, los valores ciudadanos, el trabajo comunitario, la conciliación de las libertades con el respeto a los demás y al entorno son cuestiones de imperiosa actualidad.

El inventario de mis sueños incluye aumentar la presencia de la música, de las artes y de la creatividad en todo el sistema educativo. Por esa senda avanzaremos hacia la conquista de realidades sociales y vitales que nos hagan mejores y más felices. Sueño con escuelas donde haya creatividad en vez de exámenes. Cantar, bailar y tocar música son herramientas imprescindibles para cumplir estos anhelos. Queremos un mundo mejor, más justo, más libre y más civilizado. Conocemos la manera de alcanzarlo y sabemos que la música es parte esencial de este apasionante proyecto. El camino hacia la utopía dibuja, como escribió Eduardo Galeano, un horizonte que se aleja al ritmo de nuestros pasos y nos hace seguir caminando. ¡Qué suene la música¡ ¡La vida es un fandango y hay que bailarlo!

Durante las dos últimas décadas, en Inglaterra, los maestros, inmersos en una cultura de rendición de cuentas y establecimiento de objetivos, han tenido que sufrir un elevado nivel de especificaciones, tanto de contenidos curriculares como de pedagogía. Convertidos en meros receptores de los planes prescritos, podríamos decir que los profesionales han tenido atadas las manos, acalladas sus voces y restringida su autonomía profesional. La investigación revela que, durante este tiempo, algunos profesionales han descuidado su comprensión de la pedagogía y la práctica (ENGLISH y cols., 2002; BURNS y MYHILL, 2004) para dedicarse a impartir el currículo marcado. La búsqueda incansable de niveles y “cobertura” más elevados pueden haber oscurecido las dimensiones personal y afectiva de la enseñanza y el aprendizaje, fomentando una mentalidad más caracterizada por el cumplimiento y la conformidad que por la curiosidad y la creatividad.

No obstante, junto a los planes de los estándares y los niveles, también han destacado la creatividad y los principios y prácticas creativos, desarrollándose el interés por la enseñanza y el aprendizaje creativos. Anunciado por la publicación de All Our Futures: Creativity, Culture and Education (NACCCE, 1999), este cambio se puso de manifiesto en la iniciativa Creative Patnerships, en el marco de creatividad de la Qualifications and Curriculum Authority (QCA, 2005) y en gran cantidad de informes (por ej.: Ofsted, 2003; DfES, 2003; CAPEUK, 2006; ROBERTS, 2006). También quedó patente en el desarrollo del Curriculum for Excellence de Escocia. Con frecuencia, la creatividad se definía como “actividad imaginativa orientada a producir resultados originales y de valor al mismo tiempo” (NACCCE, 1999, pág. 30). Muchas escuelas trataron de elaborar currículos más innovadores y muchos maestros encontraron una energía renovada enseñando de forma creativa y enseñando para la creatividad.

Sin embargo, persisten las tensiones, no solo porque parezcan contradictorias las normas duales de eficiencia y creatividad, sino también porque los programas de estudio del borrador del nuevo National Curriculum de Inglaterra permiten al menos un alto grado de especificidad y perfilan los conocimientos que hay que enseñar y examinar. Si los maestros se sitúan más como distribuidores del currículo técnicamente competentes, en vez de como desarrolladores de un currículo informado por la investigación, artísticamente comprometidos, tenemos motivos para preocuparnos. Creo, junto con EISNER (2003) y otros, que la enseñanza es una forma de arte y que los maestros se benefician de verse a sí mismos como artistas versátiles en el aula, basándose en sus pasiones y creatividad personales cuando investigan y desarrollan su práctica. Como observa JOUBERT:

La enseñanza creativa es un arte. No se puede enseñar didácticamente a los maestros a ser creativos; no hay recetas ni rutinas seguras. Algunas estrategias pueden ayudar a promover el pensamiento creativo, pero los maestros tienen que elaborar todo un repertorio de destrezas que puedan adaptar a diferentes situaciones.

(JOUBERT, 2001, pág. 21.)

Sin embargo, la enseñanza creativa solo es una parte del cuadro, dado que también ha de reconocerse la enseñanza para la creatividad, así como su mutua dependencia. La primera se centra más en que los maestros utilicen enfoques imaginativos en el aula con el fin de hacer que el aprendizaje sea más interesante y eficaz; la segunda, más en el desarrollo de la creatividad de los niños y niñas (NACCCE, 1999). Ambas se basan en la comprensión de la idea de creatividad y exigen que los profesionales se enfrenten a los mitos y mantras que rodean la palabra, como las erróneas concepciones tan habituales acerca de que la creatividad solo está conectada con la participación en las artes y que está circunscrita a determinados individuos, que es una competencia propia de unos pocos niños especialmente dotados.

No obstante, la creatividad es un concepto impreciso; expertos en educación, psicólogos y neurólogos, así como planificadores de diferentes países y contextos culturales lo han definido de formas diversas. Resuenan los debates acerca de su naturaleza individual y/o colaborativa, el grado en el que es genérica o específica de un campo y la diferencia entre la creatividad con mayúscula del genio y la creatividad con minúscula de lo cotidiano. A pesar de estos problemas, la mayoría de los estudiosos del tema perciben que implica la capacidad de generar, razonar y evaluar críticamente ideas nuevas y/o escenarios imaginarios. En este sentido, yo tengo la impresión de que la creatividad abarca reflexionar sobre los problemas y su resolución, establecer conexiones, inventar, reinventar y flexionar los propios músculos imaginativos en todos los aspectos del aprendizaje y de la vida.

En el aula de primaria, la enseñanza y el aprendizaje creativos se han asociado con la innovación, la originalidad, la propiedad intelectual y el control (JEFFREY y WOODS, 2009) y se ha visto que, en su planificación, en su enseñanza y en el ambiente que crean, los maestros creativos otorgan un elevado valor a la curiosidad y la asunción de riesgos, a la propiedad intelectual, la autonomía y el establecimiento de conexiones (CREMIN, 2009; CREMIN y cols., 2009). Se ha dicho que esos maestros trabajan a menudo en colaboración con otros: con niños, otros maestros y expertos ajenos a la escuela (COCHRANE y COCKETT, 2007). Además, en las investigaciones que estudian el pensamiento posible, del que se dice que está en el centro de la creatividad en la educación (CRAFT, 2000), se ha observado una interesante interacción entre maestros y niños; ambos están empeñados en el pensamiento posible para avanzar y en sumergirse en contextos alegres, plantear preguntas, ser imaginativos, mostrar determinación, asumir riesgos e innovar (CRAFT y cols., 2012; BURNARD y cols., 2006; CREMIN y cols., 2006). Se avecina una nueva pedagogía positiva.

Pretende apoyar a los maestros en su desarrollo como profesionales creativos, ayudándolos a explorar las sinergias y el potencial de enseñar creativamente y de enseñar para la creatividad. No se limita a ofrecer estrategias prácticas para utilizarlas en el aula, aunque estas abunden, sino que trata de ampliar los conocimientos y la comprensión de los principios que subyacen a un enfoque creativo de la enseñanza de los maestros y estudiantes de magisterio, que es más importante aún. Son estos unos principios basados en la investigación. Se pretende transmitir la riqueza de las pruebas de las investigaciones y hacer accesibles e interesantes las diversas perspectivas teóricas y argumentos expertos disponibles, demostrando su relevancia práctica y su valor para la profesión. Confío en que quienes aspiren a formarse más como educadores creativos y curiosos lo encuentren muy valioso para apoyar sus trayectorias de aprendizaje profesional y enriquezcan su pedagogía y su práctica y el aprendizaje de los niños a través del currículo.

Teresa CREMIN (Grainger) es catedrática de Education (Literacy) en la Open University y fue presidenta de la United Kingdom Reading Association (UKRA) (2001-2002) y de la United Kingdom Literacy Association (UKLA) (2007-2008). En la actualidad es cocoordinadora de BERA Creativity SIG y consejera de Booktrust, The Poetry Archive y UKLA. Es también miembro de la English Association y académica de la Academy of Social Sciences. Su trabajo implica la investigación, la publicación y la consultoría en lectoescritura y creatividad. Sus proyectos actuales tratan de estudiar el juego de simulación de niños y niñas en el contexto de la narración y la representación de cuentos, su vida cotidiana y las prácticas lectoescritoras, y la naturaleza de las discusiones literarias en grupos extracurriculares de lectura. Además, Teresa se interesa por las identidades de los maestros como lectores y escritores y las características y la pedagogía asociada que fomenta el pensamiento positivo en el aprendizaje creativo en Educación Infantil. Las publicaciones de Teresa son muy abundantes, habiendo escrito y codirigido diversos libros, como: Writing Voices: Creating Communities of Writers (Routledge, 2012); Teaching English Creatively (Routledge, 2009); Learning to Teach in the Primary School (Routledge, 2010); Jumpstart Drama (David FULTON, 2009); Documenting Creative Learning 5-11 (TRENTHAM, 2007); Creativity and Writing: Developing Voice and Verve (Routledge, 2005); Teaching English in Higher Education (NATE and UKLA, 2007); Creative Activities for Character, Setting and Plot, 5-7, 7-9, 9-11 (SCHOLASTIC, 2004), y Language and Literacy: A Routledge Reader (Routledge, 2001). Es directora de la colección Learning to teach a la que pertenece Enseñar música de forma creativa.

Bibliografía

ARTHUR, J. y CREMIN, T. (2010) (eds.) Learning to Teach in the Primary School (2ª ed.), Londres: Routledge.

BURNARD, P., CRAFT, A. y CREMIN, T. (2006) Possibility thinking. International Journal of Early Years Education, 14 (3), págs. 243-262.

BURNS, C. y MYHILL, D. (2004) Interactive or inactive? A consideration of the nature of interaction in whole class teaching. Cambridge Journal of Education, 34, págs. 35-49.

CapeUK (2006) Building Creative Futures: The Story of Creative Action Research Awards, 2004-2005. Londres: Arts Council.

COCHRANE, P. y COCKETT, M. (2007) Building a Creative School: A Dynamic Approach to School Development. Londres: Trentham.

CRAFT, A. (2000) Creativity Across the Primary Curriculum. Londres: Routledge.

—, MCCONNON, L. y MATHEWS, A. (2012) Creativity and child- initiated play. Thinking Skills and Creativity 7 (1), págs. 48-61.

CREMIN, T. (2009) Creative teaching and creative teachers. En A. WILSON (Ed.) Creativity in Primary Education. Exeter: Learning Matters, págs. 36-46.

—, BARNES, J. y SCOFFHAM, S. (2009) Creative Teaching for Tomorrow: Fostering a Creative State of Mind. Deal: Future Creative.

—, BURNARD, P. y CRAFT, A. (2006) Pedagogy and possibility thinking in the early years. International Journal of Thinking Skills and Creativity, 1 (2), págs. 108-119.

Department for Education and Skills (DfES) (2003) Excellence and Enjoyment: A Strategy for Primary Schools. Nottingham: DfES.

EISNER, E. (2003) Artistry in education. Scandinavian Journal of Educational Research, 47 (3), págs. 373-384.

ENGLISH, E., HARGREAVES, L. y HISLAM, J. (2002) Pedagogical dilemmas in the National Literacy Strategy: primary teachers’ perceptions, reflections and classroom behaviour. Cambridge Journal of Education, 32 (1), págs. 9-26.

JEFFREY, B. y WOODS, P. (2009) Creative Learning in the Primary School. Londres: Routledge.

JOUBERT, M. M. (2001) The art of creative teaching: NACCCE and beyond. En A. CRAFT, B. JEFFREY y M. LIEBLING (eds) Creativity in Education. Londres: Continuum.

National Advisory Committee on Creative and Cultural Education (NACCCE) (1999) All Our Futures: Creativity, Culture and Education. Londres: Department for Education and Employment.

Ofsted (2003) Expecting the Unexpected: Developing Creativity in Primary and Secondary Schools, HMI 1612. E-publication. Available at http://www.ofsted.gov.uk. (Acceso 9 noviembre 2007).

Qualifications and Curriculum Authority (QCA) (2005). Creativity: Find It, Promote It! –Promoting Pupils’ Creative Thinking and Behaviour Across The Curriculum At Key Stages 1, 2 And 3-Practical Materials For Schools. Londres: QCA.

ROBERTS, P. (2006) Nurturing Creativity in Young People. A Report to Government to Inform Future Policy. Londres: DCMS.

Nos encanta presentar este libro, que pretende ofrecer una alternativa a los enfoques mecánicos de la enseñanza de la música con unas formas más creativas en las que los maestros presten atención a la ejecución y la creación de música en sus clases, traten de entenderla y después pongan su comprensión al servicio de un uso más creativo en el aula en el que el alumnado goce de confianza y libertad para ser creativo con la música.

Este libro versa sobre la investigación y el desarrollo, sobre la teoría y la práctica, y reflexiona sobre observaciones y conversaciones, debates y discusiones y colaboraciones con colegas y niños en las aulas, en contextos y cursos de formación inicial del profesorado y de desarrollo profesional, en universidades, organizaciones comunitarias de música y artes y en contextos políticos. Nos gustaría, en particular, agradecerle a Teresa CREMIN su interés y estímulo para producir este libro sobre música en la colección “Learning to Teach in the Primary School”. También nos gustaría expresar nuestra gratitud a la comunidad de educadores, artistas y estudiosos que han colaborado en este libro, cada uno de los cuales, con experiencias extraídas de diversos ambientes y contextos, comparten la pasión por enseñar y aprender música en primaria, y por examinar y traducir qué, cómo y por qué la creatividad es tan importante y central para la práctica en el aula. Estos colegas han tomado sus coloreadas hebras de práctica creativa y han tejido con ellas un tapiz intenso de estudios de caso y actividades ricas en creatividad que bien merecen algo de tiempo libre de un maestro cansado. La esperanza es que los lectores sigan adelante, inspirados y empoderados para hacer realidad la enseñanza de la música de forma creativa en sus propias aulas.

Tenemos que reconocer también la valiosa ayuda de Brian RICHARDS, de la University of Reading, que generó varios modelos ilustrativos, y a Liz TRAY por su diligente corrección y composición tipográfica de los capítulos.

Por último, agradecemos a Suzanne RICHARDSON y a Helen PRITT, de Routledge, su paciencia y apoyo.

Debemos manifestar también nuestro agradecimiento a todas las escuelas y comunidades artísticas participantes en los casos y actividades que mencionamos y además a:

Los estudiantes de formación del profesorado de primaria y de educación infantil de la Massey University, en Palmerston North (Nueva Zelanda).

Sagam Primary School, en Siaya County (Kenia Occidental) y la Kenya Music Festival Foundation (Kenia).

Newham Sixth Form College, Prince Regent Lane, Londres.

Lifelong Kindergarten Group, en el MIT Media Lab, y Eric ROSENBAUM y Jay SILVER, desarrolladores de Singing Fingers (EE. UU.).

Estudiantes y profesores de ArtPlay, Western English Language School, Collingwood English Language School y The Song Room, en Melbourne (Australia).

Magne ESPELAND (Noruega), por su amable autorización para utilizar adaptaciones de Upbeat (MURPHY y ESPELAND, 2007. Dublín: Gill y MacMillan).

Social Sciences and Humanities Research Council of Canada Learning Through the Arts, The Royal Conservatory Hennigan School (Canadá).

Y a todos los niños por su música.

Este libro es único porque no es simplemente una colección de capítulos de diversas personas, sino el producto de una comunidad de aprendizaje colaborativo.

Pamela BURNARD (Inglaterra) es profesora de Education en la University of Cambridge (Reino Unido), en la que dirige cursos de grado superior en Arts, Creativity, Education and Culture (ACEC) y Educational Research. Es internacionalmente conocida por su trabajo en las áreas de aprendizaje y enseñanza creativos y creatividades musicales en la práctica profesional y educativa. Pamela siempre se ha interesado por el desarrollo de estrategias y ayudas docentes para animar a los maestros a examinar sus propias ideas de creatividad con el fin de fomentar la participación creativa tanto de los maestros como de los alumnos. Pamela cree que todos los maestros tienen que examinar sus propias ideas acerca de la creatividad con el fin de ayudar a los niños y niñas a desarrollar su propia creatividad en música y que todos los maestros han de ser profesionales creativos y músicos. Pamela ha publicado mucho en los campos de la educación musical y la investigación sobre la creatividad. He aquí algunos de sus libros más recientes: Professional Knowledge in Music Teacher Education (Ashgate, 2013), Musical Creativity in Practice (OUP, 2012), Reflective Practices in Arts Education (Springer, 2009), Creative Learning 3-11 (Trentham, 2007), Music Education and Digital Technologies (Continuum, 2006).

Regina MURPHY (Irlanda) es profesora en el St Patrick College de la Dublin City University (Irlanda), donde enseña y dirige cursos de posgrado. Ha presentado numerosos talleres y publicaciones, tanto en el ámbito nacional como en el internacional. Como maestra de primaria que fue, ejerció en Irlanda, Inglaterra y Nueva Zelanda. También trabajó como directora de primaria antes de ingresar en la educación superior. Regina fue una de las personas clave en el desarrollo del currículo de música de educación primaria en Irlanda y en el subsiguiente programa nacional de desarrollo profesional para maestros de primaria. Entre sus publicaciones está un juego completo de recursos para apoyar la creación musical en la escuela primaria para niños de edades comprendidas entre los cuatro y los doce años. El currículo y la evaluación de la educación musical y el dominio de la materia del maestro generalista de primaria en particular siguen motivando sus intereses de investigación. Es codirectora del British Journal of Music Education y fue miembro del consejo de la International Society for Music Education (ISME) entre 2008 y 2012. Es también miembro fundador de la Society for Music Education en Irlanda.

James BIDDULPH (Inglaterra) ha sido maestro de primaria desde 2001 y es en la actualidad director de la Avanti Court Primary School en East London. En 2002, su creativo y exitoso enfoque de la enseñanza le valió la categoría de Advanced Skills Teachers (AST) y, en 2003, recibió la mención de “Outstanding New Teacher of the Year for London”. Colabora con notable éxito con una serie de escuelas locales y Creative Partnerships, desarrollando las artes para enriquecer el currículo y compartir la buena práctica. Sus dos grados máster se centran en las percepciones que tienen niños y maestros de las experiencias de aprendizaje creativo. Pertenece al consejo editorial del Bristish Journal of Music Education y es consejero de Stratford Circus (un espacio para el teatro y las artes en East London). Desde abril de 2010 ha estado trabajando en su doctorado en la Cambridge University, centrado en el aprendizaje creativo en contextos multiculturales.

Kathryn MARSH (Australia) ha sido catedrática de Music Education en el Sydney Conservatorium of Music, de la University of Sydney, en donde, como profesora titular, imparte materias relacionadas con la educación musical primaria, la diversidad cultural en educación musical y los métodos de investigación en educación musical. Es doctora en etnomusicología y tiene un bagaje profesional como maestra generalista de primaria, especialistas en música y profesora de inglés como segunda lengua. Sus intereses de investigación abarcan el juego musical de los niños, la creatividad infantil y la diversidad cultural en educación musical y, más recientemente, estudiando el papel de la música en la vida de los niños refugiados. Ha escrito numerosas publicaciones científicas y profesionales, siendo su libro más reciente: The Musical Playground: Global Tradition and Change in Children’s Songs and Games, publicado por Oxford University Press y ganador del premio Katherine Briggs de 2009 de la Folklore Society. Ha participado activamente en el desarrollo curricular y en la formación de maestros durante muchos años y sus intervenciones internacionales se han desarrollado con regularidad. Ha sido beneficiaria de importantes ayudas nacionales a la investigación que han implicado investigaciones colaborativas transculturales internacionales a gran escala sobre el juego musical infantil en Australia, Europa, Reino Unido, EE. UU. y Corea, y, como miembro de un equipo interdisciplinario de investigación, dirigió la National Review of School Music Education en Australia.

S. Alex RUTHMANN (Estados Unidos) estudió tecnología de las artes escénicas antes de alcanzar los grados de máster y doctor en educación musical en la Oakland University. Es profesor ayudante de Music Education en la University of Massachusetts Lowell, en la que imparte cursos de posgrado y de grado en la intersección de la educación musical y la informática en las artes y la investigación. En la actualidad es presidente de la Association for Technology in Music Instruction, expresidente del Creativity Special Research Interest Group de la Society for Research in Music Education, codirector del International Journal of Education and the Arts, y también es miembro de los consejos editoriales del British Journal of Music Education y del Journal of Music, Technology, and Education. Sus investigaciones actuales estudian el talento musical social y en los medios digitales y la creatividad, el desarrollo de tecnologías para el aprendizaje, la enseñanza y la participación musicales para uso en los programas de artes interdisciplinarias e informáticos escolares y comunitarios.

Rena UPITIS (Canadá) es catedrática de Arts Education en la Queen’s University de Canadá y exdecana de Education en esa misma universidad. Es también presidenta y consejera delegada de Wintergreen Studies, un centro de educación y retiro fundado en 2007. Durante un período de seis años, Rena fue codirectora nacional de investigación de Learning Through the Arts, un proyecto plurianual que llevó a artistas a las aulas de más de 100 000 estudiantes canadienses. Su investigación actual estudia cómo pueden apoyar las tecnologías basadas en la web el aprendizaje centrado en el estudiante, especialmente en las artes. Ha trabajado como maestra de música en Canadá y en los Estados Unidos y ha sido profesora de piano y de teoría de la música durante más de 35 años. Las investigaciones de Rena han sido reconocidas con diversos premios, como el George C. Metcalf Research Award (2002) y el Canadian Association for Curriculum Studies Publication Award (2005).

Jane WHEELER (Inglaterra) es una apasionada del desarrollo profesional continuo del maestro y de motivar a todos los menores para que hallen su “voz” haciendo música, la que sea. Recientemente se ha convertido en artista y consultora autónoma de educación musical y ha creado su propia empresa LIVING SONG (http://www.livingsong.co.uk), habiendo pasado los tres últimos años creando el programa de música para las escuelas ARK (2008-2011). Se incluye aquí el desarrollo del programa de coros ONE VOICE en las escuelas ARK y el coro avanzado SPARK (Singing Pathways ARK). Dirige la sociedad London Sing Up, con igospel, British Gospel Arts y el coro de Newham Young People (NYPC). También ha establecido una red de primaria y secundaria y un programa de formación del profesorado para la educación musical. Antes de esto, fue la asesora musical del London Borough of Newham, época en la que creó y dirigió el amplio programa de canto coral del barrio y estrategias de atracción a la música de niños y niñas de primaria y de secundaria. En abril de 2005 fue nombrada después de trabajar durante dos años en el Newham Sixth Form F.E. College (NewVIc) y U.E.L. como parte del equipo de música y como maestra de destrezas avanzadas, trabajando centralmente para “Learning and Schools” en Newham. Sigue trabajando en NewVIc, tanto dirigiendo como facilitando el Solid Harmony Youth Community Choir, que lleva diez años funcionando (http://www.solidharmony.co.uk).

Colaboradores en casos y actividades en el aula

Deborah BLAIR (Estados Unidos) es profesora titular de Music Education en la Oakland University (Rochester, MI, EE.UU.), donde imparte asignaturas de grado y de posgrado de psicología de la educación, investigación cualitativa y una amplia variedad de asignaturas de métodos para entornos musicales generales y corales. Sus intereses de investigación se centran en la aplicación de las teorías constructivistas del aprendizaje y la enseñanza en aulas de K-12, formación del profesorado y alumnos con necesidades educativas especiales.

Jenny BOYACK, PhD (Nueva Zelanda) es profesora titular de Music Education en la Massey University (Palmerston North, Nueva Zelanda). Jenny tiene muchos años de experiencia como maestra de primaria, asesora de escuelas y formadora del profesorado, y es directora de coro y organista de una iglesia. Sus intereses de investigación se centran en el desarrollo vocal, confianza en la propia valía en el canto, liderazgo musical en la escuela primaria y educación musical para maestros generalistas, y es una apasionada de las prácticas inclusivas en la educación musical.

Marcelo GIGLIO, PhD (Suiza) es profesor en el Institut de psychologie et éducation de la Université de Neuchâtel, y coordinador de director de Unité de recherche, responsable de proyectos de investigación de la Haute école pédagogique BEJUNE (Suiza). Su investigación se centra en la relación entre docentes y alumnos en situaciones pedagógicas innovadoras y creativas. Ha publicado en español, francés e inglés. Es autor de Cuando la colaboración creativa cambia la forma de enseñar (Universidad de Cantabria, Santander, 2013).

Gillian HOWELL (Australia) es música, educadora y facilitadora de proyectos de música creativa en comunidades y escuelas. Idea y dirige proyectos de composición y eventos de música participativa por toda Australia e internacionalmente, con muchas orquestas y festivales importantes, con comunidades de refugiados recién llegados y en países que han sufrido conflictos y están en vías de desarrollo. Estableció el premiado programa Community Outreach de la Melbourne Symphony Orchestra en 2002, y fue su directora creativa hasta 2009. Gillian también enseña regularmente en varias universidades y academias de arte australianas y estadounidenses.

Emily OKUNO (Kenia) es profesora titular de música en el Kenya Polytechnic University College de Nairobi (Kenia), donde también ejerce como directora del Centre for Creative and Cultural Industries. Ha enseñado música en los niveles de educación infantil, primario, secundario y terciario en Kenia. Su interés de investigación actual y su centro de atención es la educación musical que es culturalmente relevante para la formación de la identidad de los aprendices y para la adecuada utilización de los recursos de la música local como material de aprendizaje. Es autora de Issues in Music Education in Kenya: A Handbook for Teachers e Indigenous Kenyan Children’s Songs: An Anthology.

Este libro nace de la convicción de que todas las personas preocupadas por la educación deberían tener un profundo interés por la creatividad, los niños, la música y el empeño creativo de enseñar y aprender música. A los lectores les interesará también lo que pueda hacerse para ayudar a los maestros a sentirse seguros de sí mismos para enseñar música de forma más creativa, no solo en su clase, sino para celebrarlo en la escuela (esperamos que con la apertura, la comprensión y el entusiasmo apropiados). Aunque este libro se basa en investigaciones y teorías, y tiene en cuenta los últimos desarrollos normativos, cada capítulo está escrito en un estilo que pretende apoyar, estimular y hablar a todos los lectores; el público al que se dirige está formado por una amalgama de maestros en formación, especialistas y maestros generalistas, líderes escolares y padres, estudiantes y formadores de profesores, así como investigadores y planificadores educativos.

El tema central del libro es un enfoque concreto del pensamiento sobre la creatividad y la práctica de la enseñanza de la música de forma creativa. Se contemplan, pues, las formas que utilizamos en nuestra práctica diaria para tratar de enseñar creativamente, de escuchar y ver cómo se manifiesta la creatividad de los niños1 en la música y de estar dispuestos a todo y para todo.

Este libro se basa en un conjunto de convicciones sobre la creatividad y por eso ofrece una serie de prácticas informadas por la teoría en las que docentes de diversos ambientes pueden explorar la enseñanza efectiva y un aprendizaje útil de la música. Estas prácticas se expresan en la intersección de múltiples dimensiones, a las que nos referimos como estrategias pedagógicas relacionados con la enseñanza para la creatividad en la música y procesos pedagógicos para enseñar música de forma creativa. Enseñar música de forma creativa supone que los docentes pongan en práctica su compromiso con las prácticas de música de los niños, desarrollando una cultura de oportunidades creativas, asegurando su propia implicación musical y participación creativa junto con los niños y construyendo una comunidad de aprendizaje, caracterizada por la confianza y la apertura, en la que tanto los maestros como los niños se sientan confiados y seguros trabajando con la música y aprendiendo en ella. La enseñanza para la creatividad en música, en cambio, se centra en desarrollar la creatividad de los niños en música, su capacidad de establecer conexiones, trabajar con lo inesperado, valorar la apertura, hacer preguntas, participar colaborativamente y experimentar con ideas solos y con otros.

El argumento de este libro es que, en el corazón de la enseñanza, y de una cultura participativa de aprendizaje, no solo está la capacidad de los maestros para pensar en cuestiones pedagógicas, sino también para reconocer su habilidad innata para ser musicales y enseñar música como una fuerza positiva que guíe sus opciones pedagógicas. Además, crear, compartir, escuchar, interpretar, escribir y evaluar música constituye una finalidad común de la comunidad de aprendizaje. En consecuencia, esto da a los miembros de la comunidad (tanto al maestro como a los niños) un fuerte sentido de propiedad, que se añade a su voluntad de comprometerse ellos mismos con la comunidad cuya práctica creativa con la música está social y culturalmente coconstruida, así como les otorga unas identidades mutuamente definitorias. También es importante que los planificadores y los líderes escolares, que mantienen unas creencias ricas en valores acerca de los efectos de la música sobre el aprendizaje de los niños, u optan por no tenerlos en cuenta, y ejercen una influencia y un control restrictivos sobre la confianza y seguridad de los maestros creativos en sus proyectos con la música, consigan ver las conexiones entre los intereses de los niños y las opciones que adoptan los maestros creativos en el aula en beneficio de los intereses creativos y musicales de los niños. Enseñar música de forma creativa requiere que los maestros vean, comprendan y apliquen su comprensión de la música de cada niño y del aprendizaje musical.

El objetivo del libro es provocar tanto la acción como el pensamiento de los maestros y de otros educadores con el fin de impulsar la disposición para preguntar qué es y cuál es la mejor manera de abordar la enseñanza creativa de la música en primaria. Esperamos simplemente que los maestros no se opongan, sino que adopten las ideas que cada capítulo ofrece para trabajar con los niños, con el fin de desarrollar aún más una comprensión de la creatividad y del aprendizaje musical de su alumnado —en vez de limitarse a cambiar la práctica— provocada por las posibilidades y espacios para enseñar música de forma creativa. Hemos procurado no dar a entender que solo hay un conjunto posible de formas o recetas para la práctica creativa en la enseñanza de la música en primaria, sino, más bien, rechazar las visiones deterministas del pensamiento de los maestros sobre su propia habilidad musical y considerar formas de que los maestros puedan llegar a confiar más en sí mismos y tener mayor seguridad en su trabajo cuando enseñan música de forma creativa.

Este libro está pensado para atraer a todos los interesados en enseñar música de manera más creativa y que consideren como algo axiomático que cualquiera que se preocupe por la música de los niños —así como por la creatividad— se interesará por enseñar música de forma creativa en el entorno de la escuela primaria.

Cada capítulo se basa en el principio de que las consideraciones conceptuales de la creatividad van junto con el sistema de valores del maestro en la formación de la enseñanza de la música de forma creativa. Reconocer que no podemos alcanzar una perfección absoluta ni el nivel profesional del artista intérprete o del músico en la enseñanza de la música es un primer paso hacia el reconocimiento de otras características del proceso.

El Capítulo 1 (Enseñar música de forma creativa) expone nuestra forma de pensar acerca de la enseñanza de la música en el contexto de la práctica de primaria y los cambios necesarios para situar la música de los niños en el centro del currículo de música y de la vida de la comunidad escolar. Escrito por una experta internacional en la pedagogía del juego infantil, el Capítulo 2 (Explorar el juego musical de los niños) ilustra cómo crea significado el juego y ofrece una entrada dinámica a la enseñanza para la creatividad.

El Capítulo 3 (Participar interactivamente en las improvisaciones del grupo) y el Capítulo 4 (Los niños y niñas componen) presentan formas de crear comunidades de aprendizaje de práctica en las que el pluralismo de la improvisación y la composición de los niños se ubican en un lugar creativamente inserto en el currículo y en el que se introducen unas estrategias pedagógicas destinadas a evitar subestimar aquello de lo que son capaces los niños y sus maestros. Los maestros y los formadores del profesorado comparten estudios de casos y actividades de clase, facilitando una colección variopinta de ideas prácticas acerca de la mejor manera de dirigir la enseñanza creativa de la música en el aula de primaria. Estos capítulos serían una buena introducción para cualquier maestro de primaria que trabaje por primera vez en música con niños.

El Capítulo 5 (Convertirse en intérpretes), que sostiene que la música desempeña un papel importante en la comunidad escolar de primaria, caracteriza e ilustra las prácticas interpretativas colaborativas. La interpretación musical es una tarea colaborativa, que aprovecha el trabajo creativo y permite a los niños promover cualidades creativas como el trabajo en equipo, el compromiso, la interpretación y la participación, la asunción de riesgos y la agencia, y contribuye al sentido de identidad del grupo y a un sentido individual de pertenencia al grupo. Convertirse en intérprete es una forma de reunirse musicalmente para experimentar el trabajo creativo colaborativo. Las interacciones entre niños y maestro, interviniendo por turnos, participando, actuando y siguiendo como parte de la música, puede iluminar un marco para comprender a los niños como aprendices activos que se responsabilizan de su propio aprendizaje y lo controlan mediante actos participativos de creación de significado e investigación.

Hacer música con los niños da oportunidad de desarrollar juegos de voz, cantar y hacer canciones, como ilustra brillantemente el Capítulo 6 (Cantar el currículo de primaria). Sabemos que los cambios radicales en la tecnología están modificando fundamentalmente la forma de comunicarse y expresarse los niños. En el Capítulo 7 (Explorar musical y creativamente nuevos medios), se examinan recursos y actividades únicos y estimulantes para llevar a los niños a participar en actividades de aprendizaje que los animan a reforzar sus destrezas musicales y la conciencia de su creatividad.

Una sucesión de capítulos —Capítulo 8 (Reforzar la creatividad escuchando música), Capítulo 9 (Celebrar la escritura musical inventada) y Capítulo 10 (Integrar la música en el currículo de primaria)— atiende a cómo escuchar, leer y escribir música pueden ser eventos creativamente integrados que conecten con las destrezas musicales, lectoescritoras y aritméticas y otras prácticas temáticas de los niños. Un principio fundamental de la práctica en primaria ha sido que el maestro debe hacer que los niños participen en actividades que impliquen simultáneamente una serie de destrezas. Estos capítulos ofrecen todo tipo de posibilidades para que la música esté en el centro o forme parte al menos de un currículo creativamente planeado e integrado.

El Capítulo 11 (Evaluar creativamente) pretende repensar cómo enfocamos creativamente la evaluación de la música y del aprendizaje de la música de los niños. Da la oportunidad de considerar reflexivamente las necesidades de los niños y las opciones de los maestros con el fin de evaluar creativamente, y examina por qué tenemos que cuestionar las formas establecidas de administrar tests que restringen indebidamente la creatividad de los niños en y a través de la que el niño crece en su deseo de dar sentido por medio de la música.

El Capítulo 12 (Utilizar creativamente un enfoque musical total) comparte una visión de lo que pueda ser un enfoque de toda la escuela en los centros de primaria si la música está en el centro de la educación en cuanto a los intereses de los niños y las opciones de los maestros.

1 Siempre deseamos evitar el sexismo verbal, pero también queremos alejarnos de la reiteración que supone llenar todo el libro de referencias a ambos sexos. Así pues, a veces se incluyen expresiones como “directores y directoras”, “alumnos y alumnas” y otras veces se utiliza el masculino en general o algún genérico como profesorado, dirección y alumnado. (N. del E.)